篆书创作说明范文汇总(精选15篇)

抓住历史发展的规律，可以帮助我们更好地理解当下和预测未来。善于归纳和总结是写好总结的关键。请看下面一些总结范文，希望能给大家写作提供一些思路。

篆书创作说明范文汇总篇一

篆书，作为中国古代的一种古老字体，承载着悠久的文化传统和深厚的艺术内涵。它的创作过程中，我领悟到了很多有关艺术、专注和自我表达的重要思考。在这篇文章中，我将分享我在篆书创作中的心得体会。

篆书是一门需要耐心和细心的艺术。首先，篆书字体的特点决定了创作者必须有耐心和细心的特质。因为篆书的字体独特难懂，需要平缓写字的习惯，逐笔完成。而每一笔的角度和力度都会对整个字体的形象影响很大，所以不能有丝毫的马虎。在创作过程中，我深刻体会到，只有耐心和细心，才能完成一支独特的篆书作品。

其次，篆书创作需要专注和专业。在篆书创作中，我还发现专注是至关重要的。由于篆书的字体复杂多变，需要仔细地揣摩每一笔的用力和方向。同时，篆书的创作还需要具备专业的技巧和知识。只有对字的结构、构造和意思有深入的了解，才能准确地表达出自己的意愿。因此，篆书创作要求创作者具备专注和专业。

此外，篆书创作是一种对内心情感的自我表达。作为一门艺术，篆书可以成为创作者情感的一个出口。在篆书创作中，我深深感受到了一种平静和宁静。我可以通过字的构造和形式来表达自己的情感，将内心的思绪和感受转化为具象的艺术作品。通过创作篆书，我可以借此表达自己的内在世界，从而获得一种疏解和宣泄。

同时，篆书创作也能使我感受到中国传统文化的厚重与博大精深。篆书，作为中国古代的一种字体，承载着中国几千年的文化传统。在创作篆书过程中，我不仅仅是在创作，还是在学习和传承。我逐渐了解到篆书的起源、发展和特点，了解到篆刻与中国传统文化的密切关系。通过创作和学习，篆书成为我了解中国传统文化的一扇窗口，我为自己有机会接触到这么深厚的文化而感到无比庆幸。

总结起来，篆书创作是一种需要耐心和细心的艺术，它需要创作者专注和专业。通过篆书创作，我不仅仅可以表达自己的情感，还可以了解和传承中国传统文化。篆书的创作让我从中受益匪浅，我认为它不仅仅是一种艺术形式，更是一种心灵的享受和修行。我将继续努力，不断地提高自己的篆书创作水平，以更好地表达自己的情感和对中国传统文化的热爱。

篆书创作说明范文汇总篇二

篆书作为中国古代文字艺术的瑰宝之一，历经千年文化沉淀，延续至今。近年来，中国艺术家李阳冰以其独特的才华和创造力，将篆书创作推向了一个新的高度。他的作品既注重传统文化的传承，又融入了现代元素，给观者带来一种全新的审美体验。在李阳冰的创作中，我们能够感受到他的用心与汗水。在我与他的交流中，听到了他的创作心得和体会，让我对他的艺术方式有了更深的理解。

首先，李阳冰表示篆书创作需要深入理解传统文化。在他看来，篆书是中国文化的重要组成部分，因此，他在创作之前花了大量的时间研究篆书的历史和发展。通过对古代篆刻作品的研究，他深刻理解到篆书的造型特点和表现方式。这使他能够更好地把握这种艺术形式，并将自己的创意融入其中。

其次，李阳冰认为篆书创作需要创造力和想象力。传统的篆书创作往往注重规范和规则，而李阳冰在此基础上注入了自己的创作灵感。他在创作过程中尝试不同的造型和结构，追求别致和独特的效果。他善于运用空间和构图，通过组合和变形字形，使篆书呈现出一种全新的审美感受。

另外，李阳冰强调篆书创作需要耐心和恒心。“用心笃行，字山不积千尺难测。演示条理，字圆千不能秀挥。”他深知篆刻是一门需要长时间练习和耐心精进的艺术。他曾反复琢磨每一个字的笔画和结构，通过多次实践和修改，逐渐熟练掌握篆书的技巧和要领。

此外，李阳冰还特别强调篆书创作需要与社会现实相结合。“字有美和实，才更好。”他相信艺术在传递美的同时也应注重表现社会现实。他的作品常常以当代社会的热点话题为题材，借助篆书这一古老形式，表达对现实问题的思考和思想。他通过这种方式传达了自己对社会事务的关注，并希望唤起人们对当代社会问题的思考。

最后，李阳冰总结道：“篆书创作是一种与神对话的过程。”他认为篆书创作需要借助内心的灵感和创造力，将艺术与宗教结合在一起。他在创作过程中，常常将自己融入到他所创造的世界中，通过神秘的篆书形式表达出内心的情感与思想，与观者进行一种心灵的对话。

总的来说，李阳冰的篆书创作心得体会丰富而深刻。他对于传统文化的尊重和理解，对于创造力和想象力的追求，以及对耐心和恒心的坚持，都使他的作品独具一格。通过他的作品以及他本人的言行，我们不仅能够感受到他对艺术的热爱，也能够在篆书艺术中找到新的启示与感悟。希望他能继续努力创作，为中国篆书艺术的发展做出更大的贡献。

篆书创作说明范文汇总篇三

回忆自己从前画油画创作都是先拍好多照片,然后选一些有特点的来画,搞点形式感,色彩对比要强烈,这样才能吸引眼球.但有时也感到怀疑,自己这样的表现方法有生命力吗?渐渐对自己的创作方法有了怀疑.后来接触到具像表现绘画基本方法,当时对其了解也不深入.开始学习塞尚的作品,逐渐开始了解莫兰笛,阿西加,贾克梅蒂,弗洛伊德,森,山方这些大师的作品.不禁给人眼前一亮的感觉.这些画家笔下的世界是那么的感性和丰满,富有生气!我渐渐理解观看才是绘画表现的源泉.有不同的观看就会呈现不一样的画面.看引导绘画.那我又反问自己,到底应该学会怎样的观看方式呢?后来接触了司徒立的具像表现绘画方法论文,强调在观看之前要悬置那些先入为主的观验和各种各样的知识的影响.让物呈现原始的混沌状态.所谓澄怀味象,尝试遗物以观物,度物象而取其真,物不能瘦其真.观看是不断的质疑,画家以笔提问“我看见的是这样的吗?”画家的看如探般的逼近事物本身，遭遇那种可能的存在的到来，这种看是物我交融的看，是活生生的当下的呈现。能够进入我们的视野是些很难下定义的块面，色彩，线条。当它呈现的同时很快又反身隐匿了，于是问题又出现了，我们如何才能抓住这种不断呈现不断逃离的感觉呢，在静止的画面上实现这种感觉似乎是不可实现的。然而只有那种经过专业训练的眼睛对这种感觉有一种综合的能力。

他能够使各种视觉信息汇聚，聚集。使之呈现一个严密的逻辑和秩序。也许可以称为一个内在的系统。在不断的观看与抹去重画的过程中，各种散乱的感觉幻化为画面上的一些痕迹存留在画面上，然后汇聚到一起，呈现一个深度的空间。这样的画面呈现一种视觉的感性的丰满。画家不断的以笔提问，不断的抹去重来，写生的过程就是视觉不断体验的过程,同时不断地在画布上涂抹,使画面与你的视觉体验达到同一,要关注画面的色彩和结构的秩序,使画面呈现具有在场的气息,这种气息来源你对微妙色彩关系和结构的把握,来源与你绘画时真实的视觉体验.我想做的就把目光回归关注身边的景物,是把这种转瞬即逝的的体验抓住.使画面呈现视觉的丰满.也许最终没有抓住那种不断逃离不断流变的感觉，也许这张画永远不可能完成，但画家在绘画时所获得的丰富视觉体验的快乐是无法用语言来形容的。这样的画家画完一幅画后往往会对自己说“也许我只是看见了可见世界的一点点东西而以，”所以画家要不断的挥笔作画，不断的去寻找.

渐渐地我开始对于油画创作又有了一点点新的理解，当我的目光重新回到眼前的一个石榴，一只不起眼的杯子的时候，将目光融入其间。静观着，相信那里一定会有我想要的画面。

篆书创作说明范文汇总篇四

创作说明是指在创作作品之前，对作品所要表达的主题、目的、内容、风格等进行详细的阐述和解释的一种文体。通过创作说明，作家能够让读者更好地理解和欣赏作品，从而为作品的传达和表达增加了可能性。在我个人的写作实践中，我也积极尝试了写创作说明，并获得了一些体会与感悟。

第二段：写作说明的作用与意义。

创作说明不仅能够让读者更好地理解和欣赏作品，还能够提供给读者更多的思考空间和解读角度。通过详细的解释和阐述，作家能够将他们心中的意境、情感、思想传递给读者，使得读者能够更加深入地理解作品。同时，创作说明还可以帮助读者更好地把握作品的风格和表现手法，从而提高他们对作品的审美水平和感受能力。作为读者，通过阅读创作说明，我深深地感受到作品与作者之间的思维碰撞和沟通，这使得我更加能够投入到作品的世界中去。

第三段：写作说明的技巧和注意事项。

要写好一篇创作说明，首先要对作品有充分的理解和分析。只有深入了解作品的主题、内涵和表达方式，才能够更好地将这些内容传递给读者。其次，要注重语言的精炼与准确。创作说明并不是一篇散文或小说，需要以简练明了的语言表达作者的意图和作品的特点。同时，还要注重逻辑的严谨与条理的清晰，避免写作说明中出现跳跃、缺乏连贯性的问题。最后，要注意创作说明的读者定位。不同的读者对于作品的理解和需求也是不同的，作家需要根据不同的读者群体，选择不同的表达方式和内容重点。

在我的创作说明实践中，我发现写作说明是一种很好地锻炼自己思考和表达能力的机会。通过仔细分析作品的构思和细节，我不仅更好地理解了作品本身，还提高了自己对文字的把控能力。在写作说明的过程中，我发现自己需要精准地选择语言表达，以确保作品的核心内容能够准确传达给读者。同时，我也学会了更加有耐心地进行思考和总结，以便于将我想要表达的意思准确地传递出去。

第五段：结尾。

通过我的创作说明实践，我深刻体会到了创作说明的作用与意义，以及如何更好地撰写创作说明。创作说明不仅能够为读者提供更多的理解和欣赏角度，还能够帮助作家自我思考和审视。写作说明不仅是一种创作过程中的必要环节，更是一种对作品思想和内核的深入挖掘和解读。作为作家，我将继续坚持写作说明的实践，以提升自己的创作水平，同时也给读者带来更好的阅读体验。

篆书创作说明范文汇总篇五

首都的中国美术馆胜利地落成了。今年五、六月间，文化部和中国美术家协会为纪念xxx“在延安文艺座谈会上的讲话”发表二十周年，在这里举办了全国美术展览会。

美术馆的建造，主要是为了经常展出我国自五四运动以来，在美术方面的各种优秀作品，包括绘画、雕塑、版面、工艺美术作品和民间艺术品等；同时，将来国内或国外来我国的临时性美术展览会，也可以来这里举行。并有一部分面积辟作中国美术家协会办公和美术家们集会交谊等活动之用。全馆建筑面积约16,000平方米，其中展出的面积有7,000平方米。目前，主体工程已经基本完成，仅馆外的庭园绿化工程和馆内某些装修和设备工程，还有待以后逐步实现。

建筑内容和平面布局。

根据使用的性质来分析，美术馆的内容大致可以分为下列几个比较主要的部分：

一、展览部分包括大小展厅共17个，这是美术馆最主要的部分。

二、供应服务部分包括装帧、裱画、展品修补和木工车间，还有？藏展品和？藏各种器材的仓库等，他们是为展览部分服务的一个必不可少的部分，是展厅的“后台”。

三、办公部分包括管理用房和美术家协会办公用法等。

四、公共活动部分包括美术家们集会用的大厅——美术家之家——和国际交谊活动用的接待厅、贵宾休息室等。

篆书创作说明范文汇总篇六

主要就是将你为什么要画这幅画的解释写清楚就行了。

未来的我和朋友们穿上潜水服,在大海的深处畅游。海底还有许多的海草,细细的,长长的,不时轻轻地拂动。在珊瑚丛中,他们和鱼儿们一起自由自在地在里面捉迷藏、玩游戏,非常的快乐。在那里他们交了很多的鱼儿朋友。

海洋世界多么令人神往，它覆盖了地球面积的70%，无边的大海有丰富的宝藏，发激发我们对未来进行大胆的想象——人们将不断依靠高新科技，向海要空间，要资源。

小朋友们知道吗?我们海底其实有很多垃圾哦，小朋友就有疑问了，我们又不在大海里生活，大海怎么会有垃圾呢?那就因为有些人乱扔垃圾，有些工厂乱排放废水，这些都会流到大海里，如果在未来我们有台海底吸尘器，就可以把垃圾都吸走，就可以还鱼儿一个干净的家园。

篆书创作说明范文汇总篇七

《星夜》1890年6月纽约现代美术馆这幅画中呈现两种线条风格，一是歪曲的长线，一是破碎的短线。

二者交互运用，使画面呈现中眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。

左构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉，天空达成视觉上的平衡。

梵高的生命就如他作品中的星星，在幽蓝的夜空中独自放光。挚爱深夜的凡·高在阿尔时期曾有两件作品描绘星空，本幅和xxx夜间咖啡屋xxx。

这两件作品中，闪烁于碧蓝色夜空中的交通星星，格外夺人眼目。在圣-雷米的初期（1889年6月）所画的这幅xxx星光灿烂的夜空xxx是凡·高深埋在灵魂深处的世界感受。

每一颗大星、小星回旋于夜空中，新月也形成一个漩涡，星云与棱线宛如一条巨龙不停地蠕动着。暗绿褐色的柏树像一股巨形的火焰，由大地的深处向上旋冒；山腰上，细长的教堂尖塔不安地伸向天空。

所有的一切似乎都在回旋、转动、烦闷、动摇，在夜空中放射艳丽的色彩……。这种回旋式的运动圆形，有如远古时代的土器形体或者装饰在土器表面的螺旋花纹。

但是对凡·高来说，在他病情尚未发作之前，已感到被另外一个世界监视着。他察觉到受苦恼、受烦闷的，不只是他本身或者如向日葵那样的对象，而是能够把一切万物都包括进去的广大范畴.这幅油画是他所画的为数不多的，不靠直接观察对象，而用虚构的形与色，凭想像创造某种气氛的作品中的一幅。

他的《星光灿烂的夜空》这幅画，画着一些入睡的小屋，丝柏从下面伸向深蓝色的天空；一些黄色的星与闪光的橘黄色的月亮形成旋涡，天空变得活跃起来。这是体现内心的、最紧张的幻想，是发泄无法抑制的强烈感情的创造性尝试，而不是对周围大自然平心静气研究的结果。

这显然已经脱离现实，纯为凡·高自己的想象。左构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。

柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。

星光灿烂的夜空也许是文森特·凡·高最有名的画作。独特的风格让人一眼就可以认出是凡·高的作品，这幅作品是虚构的。

donmclean曾献给文森特一首著名的同名歌曲xxxvincentxxx又名xxxstarrynightxxx(lyric)即使凡·高尝试了装饰性作品的创作，也只有极少数评论家认可他这些作品并愿意支持他在这方面的尝试。其中的部分原因无疑是凡·高没能举办他所希望的个人画展，只有这样的画展才可能摆出自己的大批作品。

篆书创作说明范文汇总篇八

美术源于自然、生活，美术创作离不开历史，离不开社会，社会生活才是创作的源头活水，生活在发展，创造就必定层出不穷。详细内容请看下文论美术创作的继承。

中国的美术创作在观念、方法上曾经历颇为曲折的阶段，新中国成立以后，中国文化呈现完全苏式的潮流，中国美术也不例外，美术创作、美术教学完全照搬苏联的模式和方法。由于它过于重视科学的再现，长期以来形成了一种稳定的形式。这便无形中成了一套枷锁，关闭了创新的大门，禁锢了个性的发挥。加上我们忽视大师的“提醒”，忽视培养个性，所以曾出现“千篇一律”的问题，如教学效果类同、美术作品雷同化等。中国美术创作和美术教育从某种程度上讲是从多元化走入了统一化，导致美术创作缺乏个性，缺乏创新，失去原本灵魂。

十年“文革”**，使中国美术陷入了混乱，“红、光、亮”一统天下，完全失去了创新和活力。八五新潮美术运动极大开拓了中国当代艺术家的视野，使他们不自觉地以此作为借鉴而谋求突破与发展，也为九十年代中国美术发展奠定了基础。九十年代中国美术经过了反省和思考，更加注重回归艺术本体、关注现实生活与切身感受，注重语言研磨。(彭、杨，)。

直至二十一世纪，中国的美术创作者逐渐构建出一条具有中国特色的艺术创作道路，他们意识到，在当今新的历史条件下，科技迅猛发展，美术观念、美术创作方式、美术创作队伍的构成和美术事业的社会环境发生了深刻变化，这种宽松的社会环境，影响了中国美术事业整体走势的宏观认识，美术创作者们的视野大大扩展，更理性地对待民族美术和外来美术，探索热情和创造力充分激发，美学观念的表达和审美个性高度自由，风格愈加多样化。(吕品田，2017)。

为什么要创新。

创新在国内外美术创作研究中是一个永恒的主题。早在古代，孔子提出“不愤不启，不悱不发”，亦即主张要先让学生积极思考，然后加以启发。思考的过程，便是发挥理解力、想象力、创造力的过程。在美术教育领域，罗恩菲德认为，艺术只是一种达到目标的方法，而不是一个目标，艺术教育的目的是使人在创造的过程中变得更富于创造力，而不管这种创造力将施于何处。这说明，美术教学应着力培养创造力和创新能力，而不是以教师为权威，以大师为权威。而在艺术创作领域，林风眠先生曾提出“调和中西的艺术，创造时代艺术”的主张。高更认为，不应过分临摹自然，而应去梦想自然。康定斯基认为，每个有创造性的艺术家具有自己认为是最佳的表现手段，因此就有可能同时存在众多具有同样良好效果的不同形式。人的生活是丰富的，美术创作也是丰富的，各种绘画形式、风格自然也就并存。

不少美术教育研究者多次指出，一个国家的文化发展到了极端，一定会衰落，只有不断地吸收新的营养，才能不断发展。(闻立鹏，2017)中国美术创作应立足中国传统文化，在保护和继承传统的基础上，合理借鉴和汲取外来文化和创作的精髓，才能使中国美术创作不断创新，更具张力，更能洋溢着新时代的气息，才能进一步引领世界艺术潮流。

篆书创作说明范文汇总篇九

（包含着形式美法则的物品都可以称为美术作品）。

3．形式美的来源。

提问：请说出在过去学过的语文、历史知识中你所了解的彩陶或青铜器的精品1-2件？

a、幻灯展示：彩陶中的纹饰。

（六位同学一个小组进行讨论，并且将思考的内容在作业纸上写下来，最后请几位同学总结）。

（教师作总结：这种图形似乎和半坡氏族的原始信仰有关，是图腾崇拜的产物。）。

b、视频展示：商代和周的青铜器。

提问：商代和周的青铜器有什么不同？

幻灯展示：青铜器中的纹饰。

师：青铜器的纹饰有多种纹饰这些怪兽图案，大都是氏族图腾崇拜的残余，在维护社会习俗，沟通人们的精神世界方面，与文字一起扮演着政治、宗教和艺术传统等各方面的特殊职能。

（教师作总结）。

4．从实用物品向美术作品的转换。

展示一些作品，包括一幅绘画作品，一幅雕塑作品，一幅木版年画，教材中的“漆盒”，教材中的“民居院落一角”。

提问：这些物品哪一些可以被称之为“美术作品”？为什么？

（学生讨论，教师作总结）。

三、课堂总结。

提问：看了上述作品，你认为美术鉴赏的意义有哪些？

（学生回答，教师作总结）。

1）在我们的生活中美是无处不在的，人们在长期的生产、生活中非常注重营造美的环境，所以我们要学会去认识这些美好的事物，才能更好地生活。

2）鉴赏美术作品可以培养我们的审美鉴赏能力，帮助我们丰富对美的认识，并且认识到形式美的法则。

篆书创作说明范文汇总篇十

作为一个创作者，我经历了许多创作过程中的困惑和思考。其中，创作说明对我的作品起到了至关重要的作用。本文将结合我自身的经验，分享我的心得和体会。

第二段：创意的表达。

要让创作说明发挥最大的作用，首先就是要能够清晰地表达自己的创意。在撰写创作说明之前，我通常会先给自己的作品一个主题或中心思想。然后，我会对作品的构思、主题以及所要表达的情感进行详尽的思考。在写创作说明的过程中，我尽量用简明扼要的语言来描述作品的核心含义，同时注重精准和准确，让读者能够一目了然地理解我的创意。

第三段：技巧的运用。

为了使创作说明更加生动和有吸引力，我会运用一些技巧来增强说明的效果。首先，我会尽量用直观明了的语言描述作品的外观、材质和细节。这样读者就能够在脑海中形象地想象作品的样子。其次，我会在说明中引用一些具体的例子或故事来支持我的创意，让读者更容易理解作品的内涵和意义。最后，我会尽量运用一些修辞手法如比喻、夸张等，在创作说明中营造出一种丰富的语言氛围，提升作品的艺术感。

第四段：观点的阐述。

在创作说明中，我不仅要清晰地表达自己的创意，还要有自己的观点和立场。作为一个创作者，我会积极参与社会和时代的话题，关注人类的价值观和未来的发展。在创作说明中，我会写明作品在这些方面所带有的立意和思考，给读者更多的思考空间，并引发共鸣与反思。这样的创作说明更能使读者对作品产生强烈的共鸣和认同，提升作品的艺术价值和影响力。

创作说明对我的创作从技巧到观点，都带来了重要的启发和影响。通过写创作说明，我不仅更加清楚地理解了自己的创意和内涵，而且也提高了表达和思考的能力。在与读者的交流中，我也得以发现自己创作中的不足和需要改进的地方。因此，在接下来的创作中，我会更加注重创作说明的写作，不断提升自己的创作品质和技巧，用更好的方式让作品传达出自己的理念和观点。

总结：

创作说明是作品的灵魂和桥梁，能够帮助我们清晰表达自己的创意和观点，提升作品的艺术品质和影响力。通过运用技巧、表达观点以及深入思考创作过程中的细节，在创作说明中我们可以找到更好的创作方向和改进思路。所以，我相信创作说明对我创作的每一个环节都起到了至关重要的作用，也让我在创作的过程中获得了更多的成长和满足。

篆书创作说明范文汇总篇十一

1、课题提出的背景：

2、近年来，农村的幼儿教师，特别是我们苏北地区的农村幼儿园的幼儿教师，多数没有经过正规院校的专业学习，她们只是经过短暂的职业培训后即走上工作岗位。加上由于受地区经济条件的制约，缺乏必要的岗位再学习和再培训，幼儿教师的专业成长受到阻碍，教育理念得不到提升，表现为教育观念滞后、教育行为有所偏失。迫切需要寻找一条行之有效的培训途径，以尽快地使他们的教学行为得到规范和优化。

又如偏失性教学行为，表现为在教学过程中教师片面关注某一方面而忽视了另一面，教学目标设计陈述模糊、笼统、片面，“三维”目标不能有机得到整合，致使教学效益不大。

《幼儿园教育指导纲要》体现了“以人为本”的精神，提出师幼互动、有效学习，强调师幼的共同互动、共同成长。教师是教学活动的研究主体，教师有能力对自己的教学行为进行反思、研究和改进，有能力对自己的教学情景提出最贴切的优化建议。我们选择此课题，就是想通过教师教学行为的不断优化，去促进幼儿积极健康的发展，实现我们的教育目标。因此，幼儿的发展状况是衡量教学行为优化的唯一标准。

2、国内外同一研究领域现状：

这个课题并不是新鲜的课题，苏联著名的教育家苏霍姆林斯基一再呼吁教师“争取学生热爱你的学科”，而要达到这个理想，就必须要求教师有很高的素养;美国学者柯林·博尔曾提出教育的三本护照理论，认为未来的人都应具备三本“教育护照”与“证书”;前苏联教育家马卡连柯认为，学生可以原谅教师的严厉、刻板，甚至吹毛求疵，但不能原谅他的不学无术，这都说明了教师要有渊博的专业知识、从事教育教学工作必备的知识能力等素养，而在上个世纪以及本世纪，我国在大力实施新课程改革，积极推进素养教育时，《关于教育体制改革的决定》、《中国教育改革和发展纲要》和纲要的“实施意见”以及《基础教育课程改革纲要》等文件均要求加强师资队伍建设，而加强师资队伍建设，其实质就是要提高教师的素养。这一切都是从面上对教师的素养提出相关要求。

3、研究的可行性分析：

(1)学校领导高度重视教科研工作，亲自主持并参与课题研究，课题研究经费充足。

(2)学校教科研氛围较浓。课题组核心成员的学历水平都在大专及大专以上，其中多为本科学历，其中宿迁市教坛新秀1名，沭阳县骨干教师2人，这些成员在“十五”期间大多有自己的个人课题并且成果显著。

4、理论意义。

1、建构主义理论：建构主义理论提倡在教师的指导下以学习者为中心，强调学习者的认知主体作用。教师是儿童建构性学习的帮助者、促进者。因此，教师必须改善教学行为，转变传统的教育角色。

2、教学过程最优化的教学理论：教学过程最优化的教学理论认为，教师的教学行为作为无形的纽带，维系着教师的教和学生的学，并直接影响着教学水平的提高和教学目标的实现。

3、有效教学理论：有效教学的核心是教学的效益。有效教学为教师改善课堂面貌、改善教学行为提供了可行的教学行为实施策略：选择主要教学行为即教师根据自己的特点，尽可能发挥自己的优势，弥补自己的不足;利用辅助教学行为即展示教师的人格素养和教学机智，关注课堂的预设与生成;把握课堂管理行为，解决好学生在活动中的突发事件，以防影响正常的教学秩序。

“苏北”：是指江苏省长江以北地区。

教师素质：是指教师履行职责，完成教育教学任务所必备的各种素养的质的要求及将各种素养有机结合在一起的能力。

篆书创作说明范文汇总篇十二

感言：

四年快接近尾声了，心想着自己这四年来的绘画作品，感觉在校基本就是为了完成作业去绘画的，作品中几乎完全没有自己的感想，同时那一大堆都属于写生作业说实话交作业也就是为了得到老师的好评所以每次考试作业很认真的画给给老师点评。

找到这些图片立即打印到手，买好了相应的绘画材料工具，把所有准备工作做到了位。首先我看了这原始图片作了相应的构思，心想绘画时不能按部就班要画出自己的思想，画面面一定要有个吸引别人的转地方。在绘画过程中我省略了很多东西把一些次要的统统都去掉。构图完成后，型打好后就是上颜色和刻画。我沉思了好久后决定画面以绿色为主，整幅画面以蓝绿色调为主，这样突出淳朴的风俗。在刻画细节方面我思考的最多在荷叶刻画上我根据场景需求将枯黄的荷叶莲蓬荷花刻画成主体，其次我都是统统粗略的带过。在描绘枯黄的荷叶时我心里很矛盾，心想究竟是画水墨画样子还是写实类型?经过一番斟酌，最终决定采取水墨感觉，这样更能充实画面内容。接着就是荷花，这些荷花都是很新鲜的，当画到这里时我想到的就是将鲜嫩的荷花跟莲蓬枯黄的荷叶做对比，这样加强了画面的对比效果。不过在绘画那么多的荷花的时候我只将几朵做了深入刻画其中以单独在外面的那些刻画最深入。

绘画过了很长一段时间看着画面就觉得有点不足，感觉画面对比度不够，吸引度不强。通过几天的停手思考终于想到了一些方法，一个想法就是将画面分组成两幅组图各有特色却相互关联而且有过度效果。一幅画面以成熟的荷叶莲蓬将凋落的枯黄荷叶为主，而另一幅则以含苞待放的鲜嫩荷花初生的荷叶尖为主。由左到右逐步变化。让两幅组图更具对比与吸引力。

选题：

荷花在我国已有三千年的历史。传说农历六月二十四是荷花的生日，所以古称荷花为“六月花神”。荷花，不骄不躁，宛如一个饱读诗书的女子，处事坦然自若，遇事信心倍足，在她面前，再名贵的花儿也得甘拜下风。她清爽脱俗，不妖不艳，象一个高贵的小妇，静静地为丈夫守候在家门。

我喜欢荷花，因为它美，不论是海棠般的红荷花，小姑娘般的粉荷花，还是那雪一样的白荷花，都那么美。它到哪儿，就会给哪儿增添一丝幽雅。

莲与文化关系最深的是中国。自古以来，中国人便喜爱这种植物，认为它是洁身自好、不同流合污的高尚品德的象征，因此诗人有“莲生淤泥中，不与泥同调”之赞。周敦颐还在《爱莲说》中把莲和各种类型的人物联系起来，“菊，花之隐逸者也；牡丹，花之富贵者也；莲，花之君子者也。”从古至今，许多人都有这种想法。在中国文学里，与莲有关的诗词歌赋，不计其数，莲也有许多不同的名字，最常见的有荷、芙蕖、菡萏等。

中国画以荷花作为夏天的标志，在中国的瓷器、地毯和戏服上也常绘有荷花。荷花盛开是丰收的预兆，也是夏天有代表性的美丽景色。北京故宫附近的北海公园本来是御花园，园中有人工湖，湖面大部分为莲叶所覆，莲叶有时候高出水面将近2米，开着千万朵清雅芳香的花。莲叶下可以行驶小船。

中国有许多与莲有关的话语，莲子代表连生贵子，藕为佳偶。并蒂莲代表一对恋人，藕断丝连是指男女虽然分手，但情意未绝。

据说在公元五世纪，南齐东昏候“凿金为莲花以帖地，令潘妃行其上，”曰：“此步步生莲花也！”因而后人称美人之步为莲步，又称女子之纤足为金莲。

没有别的植物可以像莲那样把亚洲各种不同的文化和谐而完美地融在一起。

荷花是中国绘画艺术不朽的主题，古来就有“清除出芙蓉天然去雕饰”的雅句来形容荷花的清新之美。中国画家更是以不同的笔法诠释和演绎了千变万化、多姿多彩的荷花艺术，将荷花的恬静温雅之美发挥到了极致。尽管一些新锐的艺术家，在创作国画作品时，艺术效果还不够稳定，但是他们也为中国的绘画艺术增添了新鲜的血液。

西方也有不表现荷花的经典油画作品，寄予了人们对荷花的美好希望和理想，其中最值得提到的是印象画派。克劳特-莫奈(1840-1926)法国印象派画家在这些一流的印象派画家中，我愿举出克劳德·莫奈，他吸吮了我们这个时代的乳汁，在对周围事物的礼赞中，他成长起来，并将日臻成熟。

这是作家左拉为画家莫奈写的诗。莫奈1840年生于巴黎，是一名杂货商的长子。少年开始习画，临摩名师的作品，他经常在殉道者啤酒馆中高谈阔论，他在这里的所见所闻及学会的绘画技巧，远胜于任何课堂的教诲。因家人不满他的愤世独行，而断绝了对他的一切财力支持，只得靠朋友们的帮助，后他又不顾家人反对，与卡蜜儿结婚，生活一直窘迫。在印象派第一次画展中，因莫奈有一幅《日出印象》的油画，被评论家不无讽刺意味地杜撰出“印象派”这个名词。卡蜜儿因病去世后，莫奈又与欧雪德遗孀结婚。随后经济条件有所好转，画界声誉也有提高，但他对此时毫不吝惜的赞誉全然无动于衷，全身心投入绘画之中。尽管晚年的视力不断衰退。莫奈晚年在吉维尼的家中，修建了一个池塘花园，种上了睡莲，成为他油画创作的泉源，创作了一批《睡莲》组画，画面上池中的倒影与水中的光芒相映成为一片合谐的色彩，虚实之间充满了自然的生趣，绿色的合谐。水面正氤氲在浓雾中，而睡莲开放在朦胧中，不确定的弧形轮廓线显示莲花晃荡的动态，不同的笔触在多维视幻觉间保持了一种生动的张力。生命从四面八方涌来，遮挡天空，繁茂得近乎粗俗，转瞬即逝的光影与生机盎然的花叶都一同溶化在一种无序状态之中。莫奈的花园与《睡莲》，是他将对东方艺术的体验转换到花园与绘画上，是出自对东方情境的想象。睡莲池畔的植物，系为了可以透过水面的反射，产生倒影，以营造幻境的气氛。此情此景，马拉美曾写有这样的诗句：“它深浓的白，包含这一个空无不可及的梦，包含着一种永不存在的快乐，我们所能作的只有继续屏息，向那幻影致敬。在意外的脚步声来临前，在我走避的时候、这朵完美的花在升起的水泡中清晰可见……”。莫奈的《睡莲》系列呈现出超越物体的表象，直探物体本质，这是对东方思想空无的诠释。

篆书创作说明范文汇总篇十三

李阳冰是中国当代著名篆刻家，他将浓郁的中国文化特色和独特的艺术风格完美地融入到篆刻艺术中。他对于篆刻的热爱和执着追求使他在篆刻创作中形成了独特的风格和独到的见解。在他长期的篆刻实践中，他总结出了一些宝贵的心得体会。

首先，李阳冰认为篆刻是一门极具挑战性的艺术。篆刻是一种高度精雕细琢的艺术形式，要求刀法准确、线条流畅、字迹工整。在创作中，李阳冰经常会面临不同材质和硬度的印章，这给他带来了很大的困扰。然而，他总是勇敢地面对挑战，通过不断的实践和探索，他能够灵活运用不同的刀法和技巧，以表现出不同的艺术效果。

其次，李阳冰认为篆刻需要深入理解和吸收中国传统文化。篆刻是中国传统文化的重要组成部分，它蕴含着深厚的文化底蕴和哲学思想。李阳冰表示，只有深入学习和理解中国传统文化，才能更好地表达出篆刻作品中的思想和情感。因此，他在创作中经常会借鉴古代诗词、书法等传统文化元素，将它们融入到篆刻作品中，以传承和弘扬中华优秀传统文化。

第三，李阳冰认为篆刻作品应具有独特的个性和创新的思维。篆刻是一种可以个性化和创新的艺术形式，每个篆刻家都应该有自己独特的风格和见解。李阳冰在创作中注重研究和借鉴古代篆刻家的作品，但他并不局限于此，他总是努力探索新的艺术表现形式和技巧，使自己的作品更具个性。

第四，李阳冰认为篆刻需要细心和耐心。篆刻是一种需要持久耐心和细致入微的艺术形式，刀法的练习和刻印的过程都需要细心和耐心。李阳冰经常会花费很长时间去琢磨和修饰一个字，甚至更小的细节。他认为只有在用心和耐心的态度下，才能创作出更完美的作品。

最后，李阳冰认为篆刻需要对自己的作品保持批判意识。他认为篆刻是一种不断探索和挑战自我的过程，只有持续地对自己的作品进行审视和批判，才能不断进步和提高。因此，李阳冰在创作中经常会与其他篆刻家交流和学习，以扩展自己的视野和思维方式。

综上所述，李阳冰通过长期的篆刻实践总结出了宝贵的心得体会。他认为篆刻是一门极具挑战性的艺术，需要深入理解和吸收中国传统文化，具有独特的个性和创新的思维，需要细心和耐心，并且需要对自己的作品保持批判意识。这些心得体会为我们理解和欣赏篆刻艺术提供了重要的参考和启示，也为广大篆刻爱好者提供了宝贵的学习和借鉴的机会。

篆书创作说明范文汇总篇十四

民间剪纸在山西是一种很普遍的群众艺术，那些年过半百的老大娘和纯朴俊秀的姑娘，常常借助一把小小的剪刀或刻刀，弯曲自然、运转灵活地在纸上镂空剪刻成花样，装点着自己的生活。新春之际，当你走进晋西北的村落院户，看到远处黄色的土丘，眼前灰色的窑洞，似乎觉得这里的颜色太单调了些。但是，你再看看窗户上，那色彩纷呈的窗花和各色图案，那迎风飘动的门笺，那碗橱、粮囤、畜栏等处寓意吉祥的各色纸花，你定会由衷发出赞叹，仿佛感受到了浓郁的生活气息。是的，剪纸就是这样一种扎根民众之间，与人民生活紧密关联，为千家万户增色添喜的一种民间艺术形式。在旧时的农村里，人们常常把剪纸技艺高低作为品评媳妇灵巧或笨拙的标志，农村妇女自然成了剪纸工艺的民俗传承人。

剪纸是民俗活动的重要一项，而丰富的民俗事象，则为剪纸提供了自由驰骋的创作的广阔天地。民间剪纸与各地风俗习惯密切结合，蕴含着民族精神和民族心理的基本素质，是民族传统文化的有机组成部分。举凡岁时节令、居住、服饰、诞生成年、婚葬、寿筵，都在剪纸中得到了反映。

以岁时节令为例。正月初一家家挂春幡、贴窗花，一派喜庆气氛。正月十五闹花灯，灯上要贴剪纸，更加绚丽引人。三月清明，祭品上要摆放剪纸，表达怀祖之情。五月端午，剪贴“五毒”，以之避疫。七月七日乞巧节，姑娘相聚一起，剪花样、赛智慧。九月九重阳节，剪刻重阳旗，寓示步步登高。十月一日寒农节，晋北地区用五色纸剪成寒衣，或做成衣、帽、鞋、被种种式样，在门前或坟地焚烧，寄托生者对亡人的哀思。

再从红白喜事来看。结婚时，大门两边要贴上大红双喜字，晋南一带还要在陪送的嫁妆上用《鱼儿扑莲》、《麒麟送子》、《鸳鸯戏水》等大型剪纸覆盖，作为装点。枕头、手帕上的绣花，也是以剪纸为底样绣成的。送殡仪仗中的纸幡、摇钱树、金山银山，轿车大马，都是用纸剪刻糊制的。这些极普通的剪纸作品，虽不象珍珠翡翠那样华贵辉煌，却牵连着每个人的心灵，伴随着千家万户的生活，具有牵心动魄的艺术魅力。

民间剪纸的题材大都是人物、动物、草木花卉，可贵的是它能借生活中常见的事物，通过谐音、象征等手法，构成寓意性的艺术画面。如《龙凤呈祥》、《凤凰戏牡丹》象征婚姻的美满与神圣。《刘海戏金蟾》象征爱情的真挚。《柿子和如意》表示四时如意、平安幸福。《喜鹊登枝》寓意喜上眉梢，喜事盈门。肥猪身上的装饰花纹，用一群小猪组成，以比喻“多子”。新媳妇怀里抱娃娃，表示“得子”等等。在剪纸艺术天地里，民间的能工巧手尽可以凭借她们的想象描绘出理想的一切，以形传神，表达出巧意、新意、美意。

山西民间剪纸的体裁格式，根据各地民俗与实用需要因物、因事制宜。最常见的是窗花，它的大小根据窗格的形状来定。如晋北一带窗户格式有菱形、圆形、多角等样式，窗花也随窗而异，小的寸许，精致灵巧，稚趣横生；大者有四角、六角、八角呼应的“团花”，素雅大方。忻州一带，欢庆春节，或操办婚事都要贴“全窗花”，即剪出柿子、如意、牡丹、佛手、莲花、桂花、笙等，祝愿新媳妇善于女红，早生贵子，美满幸福。

山西民间剪纸的风格，总体来说，具有北方地区粗扩、雄壮、简练、纯朴的特点。但是，因地域环境、生活习俗、审美观念的木同，各地剪纸又有差异。如晋南、晋中、晋东南、晋西北、吕梁山区的剪纸，多为单色剪纸，风格质朴、粗犷。而流行于雁北地区的染色剪纸，则婉约典雅、富丽堂皇，尤以“广灵窗花”为代表。晋城磁性剪纸在我国已有一千五百年历史的剪纸文化中加进了科技元素，使其更为时尚，应用更广泛，体现了科技进步的价值理念。

人们把生活比作一棵常青树。那么，我们说这剪刀下的艺术便是常青树上的花和果。民间剪纸扎根于民间，流传于民间，土生土长，土香土色，永远散发着艺术的芬芳。

篆书创作说明范文汇总篇十五

篆书是中国书法中的重要篆体，以其古朴庄重、方正简练的特点，被广大书法爱好者所喜爱。近期，我以篆书为创作对象，不断探索，不断提高自己的书法水平。在这个过程中，我积累了一些心得体会，现将其分享如下。

首先，篆书创作需要扎实的基础。篆书是中国传统书法中的一种，要能够准确地书写篆字，必须具备稳定的毛笔运笔技巧和熟练的字形掌握能力。这就要求我们在平时的练字过程中，注重毛笔的正确握法、墨量的控制和速度的把握。只有通过大量的反复练习，才能使这些技能稳定地内化于心，成为我们书写篆字的自然而然的表达方式。

其次，篆书创作需要深入了解篆字的含义和来源。篆书的字体源于自然界的图案，每个字都有其独特的象形意义。在创作篆书时，我们需要通过研读篆字的典故和注释，了解字形和字意的奥秘，以便更好地还原篆字的原貌，传达字形所代表的含义。通过对篆字相关知识的深入学习，我们能够更好地理解篆书创作的内涵和意境。

第三，篆书创作注重情感的抒发和表达。篆书作品的宏大气势和古朴庄重一方面来自于准确的字形，另一方面更在于作品所表达的情感。篆书是一种可以通过笔法和字形表达情感的艺术形式，因此，我们在创作篆书时，要注重情感的抒发。可以通过速写的方式将自己的情感直接表达于篆字之间，或者通过采用特定的字形组合来传达情感。只有在情感与形式的相互结合中，我们才能写出真正有内涵、有情感的篆书作品。

第四，篆书创作需要不断的创新和突破。篆书作为一种非常古老的艺术形式，已经经历了数千年的发展。为了使篆书艺术保持活力，我们需要不断地进行创新和突破。可以在字形的构造上进行大胆的尝试，尝试新的字形组合或者创造新的字体风格。同时，我们还可以将篆书与其他艺术形式相结合，如将篆字与水墨画相融合，创作出具有独特风格的作品。只有通过不断的创新和突破，我们才能使篆书在现代社会中焕发出新的活力和魅力。

最后，篆书创作需要持之以恒和不断的修炼。篆书是中国传统艺术的瑰宝，要想在篆书创作上有所突破和进步，需要付出大量的时间和努力。只有每天执笔苦练，不断地修炼，才能在篆书创作中不断提高自己的水平。持之以恒地坚持下去，我们才能在篆书创作的道路上走得更远，达到心中的理想。

总之，篆书创作是一门博大精深的艺术，需要扎实的基础、深入的研究、情感的抒发、创新的思维和持之以恒的修炼。只有不断提高自己的书法水平，不断探索创新，我们才能在篆书创作中取得进步。希望通过我的心得体会，能够对热爱篆书的书法爱好者们有所帮助，一同在篆书的艺术海洋中探索前行。